텍스텀 클럽(Textum Club)은 패션비평과 관련된 프랙티스와 출판을 위한 연구모임입니다. 직물을 뜻하는 ‘textile’과 글을 의미하는 ‘text’의 공통 어원인 ‘엮다’는 뜻을 가진 텍스텀 클럽은 패션 비평 아카이브로써 비평적 패션(Critical Fashion) 관련 국내외의 도서를 소개합니다.
비평적 패션 프로젝트 및 담론의 지속적 연구와 확산을 위해 전시, 출판, 연구, 워크숍 등 다양한 활동을 추진하여 국내외의 디자이너, 예술가, 연구자, 패션종사자의 네트워크장으로써 기능하고자 합니다.
Textum Club is a research group dedicated to practices and publishing in fashion criticism based in Seoul. Derived from the common roots of 'textile' and 'text,' meaning 'to weave,' Textum Club introduces books and articles related to critical fashion as part of its fashion criticism archive.
It aims to serve as a networking platform for designers, artists, researchers, and fashion practitioners globally through various activities including exhibitions, publishing, research, and workshops.
テキスタムクラブ（Textum Club）は、ファッション批評に関する実践と出版のためのリサーチグループです。布地を意味する「textile」と、文章を意味する「text」という言葉の共通の語源である「編む(texere)」という概念に基づくテキスタムクラブは、ファッション批評のアーカイブとして、クリティカル・ファッション（Critical Fashion）に関連する各国の書籍を紹介しています。
批評的ファッションのプロジェクトやディスコースの継続的な研究と普及を目指し、展覧会、出版、リサーチ、ワークショップなど多様な活動を展開しながら、各国のデザイナー、アーティスト、研究者、ファッション関係者のネットワークの場として機能することを目指しています。
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김서희는 세히쿄(SEHIKYO) 프로젝트를 운영하며 착용자들과 협업하는 방식으로 옷을 입는 아이디어를 공유하고 있습니다. 전시, 워크숍, 프레젠테이션을 통해 전통적 패션 시스템에 의존하지 않는 대안적 프랙티스를 연구하고자 합니다.
www.sehikyo.orgThe SEHIKYO project is managed by Seohee Kim, who shares innovative ideas about clothing through collaboration with wearers. Through exhibitions, workshops, and presentations, she explores alternative practices that challenge the traditional fashion system, aiming to establish a new paradigm in how fashion is perceived and practiced. More details about her work and contributions can be found on the www.sehikyo.org
キム・ソヒはSEHIKYO（セヒキョ）プロジェクトを運営し、着用者との協働を通じて「服を着る」というアイデアを共有しています。展覧会、ワークショップ、プレゼンテーションを通して、従来のファッションシステムに依存しない代替的なプラクティスの探求を目指しています。www.sehikyo.org
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김연우는 큐레이터, 연구자, 제작자로 활동하고 있으며, 텍스텀 클럽의 공동 창립자로서 패션 비평과 관련된 연구, 전시, 출판 활동을 수행하고 있습니다. 그녀는 2023 청주 공예 비엔날레를 비롯하여 서울과 제주에서 공예와 예술 관련 다양한 전시를 큐레이션했습니다. 연세대학교에서 철학과 의류환경을 공부한 후, 센트럴 세인트 마틴과 영국 왕립 예술 대학교에서 패션을 전공했습니다. 그녀는 패션 현상의 철학적 분석에 대한 이론과 실천을 연구하며, 패션에 대한 대안적인 시각을 제공하고자 합니다.
www.fashionknowledgehoarder.comYeonwoo Kim works as a curator, researcher, and maker, and is a co-founder of Textum Club, where she engages in research, exhibitions, and publishing related to fashion criticism. She has curated various craft and art exhibitions in cities including Seoul and Jeju, notably the 2023 Cheongju Craft Biennale. After studying philosophy and clothing environment at Yonsei University, she pursued fashion at Central Saint Martins and the Royal College of Art in the UK. She researches the theory and practice of philosophical analysis of fashion phenomena, aiming to provide an alternative perspective on fashion. More details about her work and contributions can be found on the www.fashionknowledgehoarder.com
キム・ヨヌはキュレーター、研究者、そしてクリエイターとして活動しており、テキスタムクラブの共同設立者として、ファッション批評に関するリサーチ、展覧会、出版活動を行っています。彼女は2023年の清州工芸ビエンナーレを含め、ソウルや済州で工芸とアートに関する様々な展覧会をキュレーションしてきました。延世大学で哲学と衣類環境を学んだ後、セントラル・セント・マーチンズおよび英国王立芸術大学でファッションを専攻しました。彼女はファッション現象の哲学的分析に関する理論と実践を研究し、ファッションに対する新たな視点を提示することを目指しています。www.fashionknowledgehoarder.com
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황혜림은 시각예술 및 공예 분야에서 활동중인 큐레이터입니다. 분단, 장애, 게임, 웹툰 등 경계에 머무는 것들에 대해 많은 관심을 갖고, 연구 및 전시 활동에 참여하고 있습니다.
Hwang Hyerim is a curator active in the fields of visual arts and crafts. She has a keen interest in topics residing at boundaries such as division, disability, gaming, and webtoons, and is involved in research and curatorial projects related to these themes.
ファン・ヘリムは、視覚芸術および工芸の分野で活動しているキュレーターです。分断、障害、ゲーム、ウェブトゥーンなど、境界にとどまるものごとに強い関心を持ち、リサーチや展覧会の活動に取り組んでいます。
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텍스텀 클럽의 활동에 관심이 있는 여러분의 참여를 환영합니다! 패션과 관련된 책이나 주제를 추천해주세요. 또한 문의사항이 있다면 언제든지 저희에게 메일을 보내주세요.
We welcome your participation in Textum Club’s activities! Please recommend books or topics related to fashion that interest you. If you have any questions, feel free to email us at any time.
テキスタムクラブの活動にご関心のある皆さまのご参加を心よりお待ちしております。ファッションに関する書籍やテーマのご推薦もぜひお寄せください。ご質問などがありましたら、いつでもお気軽にメールでご連絡ください。
textum.club@gmail.com
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디자인으로 디자인 비평하기
Critiquing Design Through Design Practice
デザインによるデザイン批評
비평적 패션 실천(Critical Fashion Practice)은 비교적 새로운 분야로, 기존 패션 시스템에 대한 도전적인 관점을 통해 최근 주목받고 있다. 텍스텀 클럽은 비평적 패션 실천의 전략과 의미를 충분히 이해하기 위해 먼저 비평적 디자인(Critical Design)이라는 더 확립된 분야를 탐구해볼 필요가 있을 것이라 생각했다.
비평적 디자인?
먼저, 『Critical Design in Context: History, Theory, and Practice』의 저자 맷 말패스(Matt Malpass)는 이 책을 통해 비평적 디자인 분야에 대한 종합적인 정리를 제공한다. 비평적 디자인은 산업 디자인의 현 상태에 도전하여, 심미적이거나 기능적으로 최적화된 제품을 넘어서는 사회적, 정치적 담론을 디자인 과정에 내재화하려 한다.
비평적 디자인의 역사적 맥락
비평적 디자인의 역사는 이탈리아의 안티-디자인(Anti-Deign) 운동에서 시작되었다. 이 책은 특히 이탈리아의 래디컬 디자인(Radical Design), 안티-디자인(Anti-Design), 뉴디자인(New Design), 그리고 컨셉추얼 디자인(Conceptual Design)의 전통을 강조하며 비평적 디자인의 기원을 설명한다.
비평적 디자인의 이론 및 전략
비평적 디자인은 전통적인 기능적 디자인을 넘어선 개념을 지향한다. 이는 인간의 생활 양식을 최적화하는 대신, 제품을 통해 사회적, 정치적 메시지를 전달하는 것을 목표로 한다. 비평적 디자인의 주요 특징은 다음과 같다:
1. 산업디자인의 대체 모델이다: 비평적 디자인은 산업 디자인이 처한 현재 상황에 도전하는 것을 목표로 한다.
2. 문제 해결보다는 사회적 담론 내에서 문제 찾기에 더 중점을 두고 있다.
3. 대량 제품을 만드는 것보다 스토리텔링 등의 전략을 통해 담론을 이끌어내는 프로세스에 집중한다.
4. 비평적 디자인은 예술이 아니다: 개념 예술과 관련이 있지만, 그럼에도 불구하고 예술 제도로 흡수되어서는 안 된다.
5. 비평적 디자인은 이론이 아니다: 문화 이론, 인문학 등 비평의 전통을 넘어선 프랙티스(실천)이자 액티비즘에 가깝다.
비평적 디자인의 실천
비평적 디자인 실천은 세 가지 주요 유형으로 분류될 수 있다: 연관적 디자인 (Associative Design), 사변적 디자인 (Speculative Design), 비평적 디자인 (Critical Design). 모호성(Ambiguity), 풍자(Satire)와 같은 전략과 다양한 방법론을 적절히 구사하여 이들은 비평의 한 형태로서 디자인을 활용한다.
1. 연관적 디자인 (Associative Design): 이탈리안 비평적 디자인과 안티디자인에 뿌리를 두고 있으며, 디자이너와 유저에게 일반적으로 넓게 깔린 디자인 전통과 가치를 재고찰하게 하는 것을 목적으로 한다. 친숙함을 바탕으로 전통적 사물에 대한 이해와 사용 맥락을 전복하여 새로운 관점을 제시한다.
2. 사변적 디자인 (Speculative Design): 미래, 시나리오 구축 및 기술 과학 연구와 연결된 디자인 운동으로, 과학 이론과 과학의 문화적 함의를 다른 방식으로 지각할 수 있도록 하는 것을 목적으로 한다. 이를 통해 미래의 가능성을 탐구하고, 현재를 비판한다.
3. 비평적 디자인 (Critical Design): 사회적, 문화적, 윤리적 맥락에서 제품을 비판적으로 분석하고, 이를 통해 사회적 담론을 형성한다. 이 때문에 내러티브를 중시하며, 사진, 영화, 사이비 다큐멘터리를 전달할 수 있는 미디어를 통해 질문 제기하는 방식을 자주 활용한다.
비평적 디자인 전략을 패션에 적용하기
그렇다면 비평적 디자인에서 취할 수 있는 비평적 패션 실천의 방법론은 무엇이 있을까? 우리는 비평적 디자인의 전략과 역사적 맥락을 분석함으로써, 패션에 적용할 수 있는 기본 원칙들을 발견할 수 있다.
먼저, 대안적 현실 창조가 있다. 사변적 디자인이 현재의 관행을 비판하기 위해 가상의 미래를 제시하듯, 비평적 패션도 패션과 사회의 가능한 미래를 상상하고 비판할 수 있다.
또한, 기능성 해체가 있다. 기능적 및 심미적 고려를 넘어, 비평적 패션은 의류의 목적과 기능 자체를 질문할 수 있다.
그리고 사회적, 정치적 이슈와의 연계도 생각할 수 있다. 패션 디자인에 사회적, 정치적 논평을 내재화하여, 현행 규범에 도전하고 공적 담론을 유도할 수 있다.
물론, 이러한 방법론은 이미 패션 분야에서 예전부터 시도되고 있다. 그럼에도 불구하고, 비평적 디자인이 기존의 산업 디자인의 한계를 넘어 새로운 가능성을 모색했던 것처럼, 패션 분야에 있어서도 디자인이 상업적 목적을 넘어서, 사회적 변화를 추구하는 중요한 역할을 할 수 있다는 것을 상기할 필요가 있다. 결론적으로, 비평적 패션 실천은 패션 분야의 확립된 패러다임을 고찰하고 질문을 이끌어내는 작업을 통해 상업적 패션 시스템의 문제를 제기하고 대안을 상상해보고자 하는 실천적 운동이라고 말할 수 있을 것이다.
글. 김연우
© Textum Club. 일부 콘텐츠는 원저작자 및 출판사에 저작권이 있습니다. 무단 복제 및 사용을 금합니다.
Critical Fashion Practice is a relatively new field that has gained attention recently through its challenging perspectives on the existing fashion system. Textum Club believes that to fully understand the strategies and meanings of Critical Fashion Practice, it is necessary to first explore the more established field of Critical Design.
Critical Design?
Firstly, Matt Malpass, author of 『Critical Design in Context: History, Theory, and Practice』, provides a comprehensive overview of critical design. This field challenges the current state of industrial design by integrating social and political discourses beyond merely aesthetic or functionally optimized products.
Historical Context of Critical Design
The history of critical design began with the Anti-Design movement in Italy. This book highlights the traditions of Radical Design, Anti-Design, New Design, and Conceptual Design in Italy, explaining the origins of critical design.
Theory and Strategy of Critical Design
Critical design aims to transcend traditional functional design, focusing on conveying social and political messages through products rather than optimizing human lifestyles. Key features of critical design include:
1. An alternative model to industrial design: Critical design challenges the current state of industrial design.
2. Focuses more on identifying problems within social discourses rather than solving them.
3. Concentrates on generating discourses through strategies like storytelling rather than mass production.
4. Critical design is not art: While related to conceptual art, it should not be absorbed by the art institution.
5. Critical design is not theory: It goes beyond the traditions of cultural theory and humanities, closer to practice and activism.
Practice of Critical Design
Critical design practice can be categorized into three main types: Associative Design, Speculative Design, and Critical Design. Using strategies like ambiguity and satire, these methodologies employ design as a form of critique.
1. Associative Design: Rooted in Italian critical and anti-design, it aims to make designers and users reconsider widely accepted design traditions and values, presenting new perspectives by overturning traditional understanding and context of familiar objects based on familiarity.
2. Speculative Design: Linked with future scenario building and techno-scientific research, its purpose is to enable a different perception of scientific theories and cultural implications of science, exploring future possibilities and critiquing the present.
3. Critical Design: Critically analyzes products within social, cultural, and ethical contexts to form social discourses, emphasizing narrative and often using media like photography, film, and pseudo-documentaries to pose questions.
Applying Critical Design Strategies to Fashion
What methodologies of critical fashion practice can be derived from critical design? By analyzing the strategies and historical contexts of critical design, we can discover fundamental principles applicable to fashion.
First, there is the creation of alternative realities. Like speculative design, which critiques current practices by presenting a hypothetical future, critical fashion can also imagine and critique possible futures for fashion and society.
Next, there is the deconstruction of functionality. Beyond functional and aesthetic considerations, critical fashion can question the very purpose and function of clothing.
Additionally, there is the potential for linking to social and political issues. By internalizing social and political commentary in fashion design, it can challenge prevailing norms and provoke public discourse.
These methodologies have been explored in fashion before. However, just as critical design sought new possibilities beyond the limitations of industrial design, it is important to remember that design in fashion can also play a significant role in pursuing social change, beyond commercial objectives. Ultimately, critical fashion practice can be described as a practical movement that examines and questions established paradigms in the fashion industry, aiming to highlight problems within the commercial fashion system and imagine alternatives.
Yeonwoo Kim
© Textum Club. Some content is copyrighted by original authors and publishers. Unauthorized use is prohibited.
批評的ファッション・プラクティス（Critical Fashion Practice）は比較的新しい分野であり、既存のファッションシステムに対する挑戦的な視点を通じて、近年注目を集めている。テクストゥム・クラブは、この批評的ファッション・プラクティスの戦略や意義をより深く理解するために、まずより確立された分野であるクリティカル・デザイン（Critical Design）を探求する必要があると考えた。
クリティカル・デザインとは？
まず、『Critical Design in Context: History, Theory, and Practice』の著者マット・マルパス（Matt Malpass）は、この書籍を通じてクリティカル・デザインという分野を包括的に整理している。
クリティカル・デザインは、現在のインダストリアル・デザインの在り方に挑戦し、美的・機能的に最適化された製品の枠を超えて、社会的・政治的な言説をデザインのプロセスに内在化させようとするものである。
クリティカル・デザインの歴史的背景
クリティカル・デザインの歴史は、イタリアのアンチ・デザイン（Anti-Design）運動にその起源がある。本書では、特にイタリアにおけるラディカル・デザイン（Radical Design）、アンチ・デザイン（Anti-Design）、ニュー・デザイン（New Design）、そしてコンセプチュアル・デザイン（Conceptual Design）の伝統に注目し、クリティカル・デザインの出発点を解説している。
クリティカル・デザインの理論と戦略
クリティカル・デザインは、従来の機能主義的なデザインの枠を超えた概念を志向する。人々のライフスタイルを最適化することよりも、製品を通じて社会的・政治的なメッセージを伝えることを目的とする。その主な特徴は以下の通りである：
1. インダストリアル・デザインに代わるモデルであること：現代のインダストリアル・デザインの状況に疑問を投げかける。
2.問題解決よりも、社会的言説の中で「問題を見つける」ことに重きを置く。
3.大量生産よりも、ストーリーテリングなどを通じて言説を誘発するプロセスを重視する。
4.アートではない：コンセプチュアル・アートと関係があるが、美術制度に吸収されるべきではない。
5.理論ではなく実践である：文化理論や人文学といった批評の伝統を超えた、実践でありアクティビズムに近い。
クリティカル・デザインの実践形態
クリティカル・デザインの実践は、大きく分けて以下の三つの類型に整理されることができる：アソシエイティブ・デザイン（Associative Design）、スペキュラティブ・デザイン（Speculative Design）、クリティカル・デザイン（Critical Design）。
曖昧さ（Ambiguity）や風刺（Satire）といった戦略、さまざまな方法論を駆使しながら、批評の手段としてデザインを活用する。
アソシエイティブ・デザイン（Associative Design）：イタリアのクリティカル・デザインやアンチ・デザインに根ざし、デザイナーやユーザーに広く浸透したデザインの価値観や伝統を再考させることを目的とする。身近なモチーフを使いながら、慣れ親しんだ物の意味や使い方の文脈を覆し、新たな視点を提示する。
スペキュラティブ・デザイン（Speculative Design）：未来、シナリオ構築、科学技術研究と結びついたデザインの潮流である。科学理論や科学の文化的含意を別の視点から捉え直すことを目指し、未来の可能性を探ることで現在を批判する。
クリティカル・デザイン（Critical Design）：社会的、文化的、倫理的な文脈において製品を批判的に分析し、そこから社会的言説を形成していく。そのため、ナラティブ（物語性）を重視し、写真、映像、モック・ドキュメンタリーなどのメディアを活用して問いを投げかける形式が多く見られる。
クリティカル・デザインの戦略をファッションに応用する
では、クリティカル・デザインから着想を得た、批評的ファッション・プラクティスの方法論とは何だろうか。クリティカル・デザインの戦略とその歴史的文脈を分析することで、ファッションに応用可能な基本的な原則を見出すことができる。
まず挙げられるのは、オルタナティブな現実の創造である。スペキュラティブ・デザインが現状の慣習を批判するために仮想の未来を提示するように、批評的ファッションにおいても、ファッションと社会の「あり得る未来」を想像し、そこから現在を批判することができる。
また、機能性の解体も重要な視点だ。機能的・美的な配慮を超えて、衣服の目的や役割そのものに疑問を投げかけることが可能である。
さらに、社会的・政治的イシューとの接続も考えられる。ファッション・デザインに社会的・政治的なメッセージを内包させることで、既存の規範に挑戦し、公的な言説を引き出すことができる。
もちろん、こうした方法論はすでにファッションの分野において過去から試みられてきたものである。
それでもなお、クリティカル・デザインが従来のインダストリアル・デザインの限界を超えて新たな可能性を模索したように、ファッションの領域においても、デザインは商業的な目的を越えて社会変革を志向する重要な実践となり得ることを、改めて確認する必要がある。
結論として、批評的ファッション・プラクティスとは、ファッションの確立されたパラダイムを見直し、問いを立てる作業を通して、商業的なファッション・システムの問題を提起し、その代替を想像する実践的な運動であると言えるだろう。
TEXT：キム・ヨヌ
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